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martes, 8 de septiembre de 2015
Un artista que no se detiene... Juanan Requena

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"Nació en un árido pueblo de La Mancha, donde se embelesó de horizontes viendo nacer más de mil tormentas. En la ciudad de Picasso aprendió de endecasílabos vendiendo libros y poniendo cafés. Se creyó viajero cableando giras de grupos sin rock, pero falló en el intento y se encontró con la luz del Cabo, donde rompió su primera cámara. Descubrió a Valente, se olvidó de los relojes y rodó hasta Berlín, donde se convenció de lo que hoy aún refleja, sin detenerse."

Así es como se presenta Juanan Requena, uno de esos artistas en los que sumergirse y quedarse. Su obra es poesía. Fotografía, letras, diarios, marcos, cajas de luz, combinado con la mirada personal de Juanan. Un mundo donde perderse, con muchas lecturas posibles, un mundo para emocionar. Hemos querido hablar con Juanan, sobre su proceso, su obra, y las cosas nuevas que están por llegar.




- Tener-Cultura: Para tí, ¿qué es la fotografía?
- Juanan Requena: Con los años la fotografía se ha convertido en una manera de estar y respirar el mundo, una energía compañera, constelada de dudas, pero siempre comprendida como un medio de transporte capaz de trasmitir sentimientos y anhelos a quienes la contemplan, capaz de establecer vínculos duraderos, de saltarse las reglas de los calendarios.


-  T-C: "Entre Fuga y Regreso" es tu última exposición, dividida por decirlo así en cuatro actos, háblanos de este trabajo, ¿son distintas?¿porqué 4 actos?
- J.R: Desde el principio supe que no podía inventarme una exposición estática, hecha de una vez y acotada racionalmente. Como creador, sabía que no me saldría algo repetible y formal, con sus planos y sus certezas. No suelo pelearme con la razón: utilizo una mezcla de respiración y paciencia. Me tomo mi tiempo y si he hecho bien los deberes, las pulsaciones encajan finalmente y fielmente en la pared.
Por eso la exposición tenía una connotación teatral, porque cada acto variaba, se adaptaba y aprendía, como un camino aún por descubrir, que se trazaría escuchando los pasos, viviendo cada instante, sin que fuera importante el final, sino el propio recorrido.

- T-C: Para el último acto hiciste una campaña en Verkami más que exitosa, ¿qué tal la experiencia? ¿cómo viviste esa acogida de la gente?
- J.R: Ese último acto de la caótica “exposición-viaje” marcó un antes y después... fue realmente increíble recibir y canalizar tanto apoyo desde tantos corazones... al elegir la fotografía como único medio de vida, llegué a un punto en el que, para seguir creando en libertad y con honestidad, necesitaba un impulso... y recibí lo más inesperado: una auténtica lluvia de abrazos, luces y fuerzas... ¿y sabes qué?, a día de hoy aún ando disfrutándolo y tratando de digerirlo, tanta y tan intensa fue la entrega, te lo aseguro.
Ahora, tras toda la aventura, toda la exposición anda repartida entre muchas personas y en muchos hogares, y de alguna manera, gracias a todos ellos, siento que seguirá viva, aprendiendo y creciendo... y adquiriendo todo su valor: un valor tangible, que radica en su alcance y en cómo pasó a convertirse en un intenso viaje compartido, porque me lancé a las carreteras de todo el País para conocer a cada una de esas “luciérnagas” que me ofrecieron su impulso, de una en una, de mano en mano, haciendo que el sentido final no fuera otro que compartir el calor humano, hasta el final.





- T-C: En tu proceso creativo fotografía y poesía estan muy vinculadas, utilizas todo tipo de materiales, e intervienes en las obras. Háblanos de este proceso de experimentación, ¿es en este sentido 'la meta es el camino'?
- J.R: “La meta es el camino”, además del titulo de uno de los talleres que de vez en cuando imparto en algún lugar bonito, se ha convertido precisamente en una especie de grito de guerra de mi proceso, exactamente.

Se trata de escuchar dentro de ti y hacerlo con disciplina, sin estar pendiente de hacia dónde se dirigen tus pasos, sino simplemente, caminarlos y tener fallos, experimentar y volverte un poco majareta, sin olvidar disfrutar de cada mapa recorrido.

Es un proceso diario, mezcla de liberación y comprensión. Pessoa decía que “lo que nos salva, es comprender”. Puedes dar cien o mil vueltas, pero de cada una te llevarás algún fruto. Cuando lo tengo claro, dudo, y me encanta porque la duda me llevará a corroerme por dentro, desengrasará ideas y encontrará salidas distintas a las esperadas. También R. Adams decía que no haces una fotografía sólo con una cámara... ¿verdad?. Así que supongo que en algún punto se me cruzaron los cables con las ideas y terminé mezclándolo todo, encontrando lazos y correspondencias en la música, la poesía o en muchísimas novelas, y todo eso, al respirarlo, se ha ido incorporando a lo que hago, sumándole capas de significado.

- T-C: En tu trabajo podemos encontrar numerosos diarios, ¿que son tus diarios? ¿De dónde nacen?
- J.R: Hay muchos libros que son diarios narrados, o donde el escritor lleva consigo un diario, así que supongo que nacieron como imitación a esas primeras lecturas. Al fin y al cabo, siempre llevé conmigo cuadernos, que iba llenando cada día, pacientemente, con las cosas que no quería olvidar, para resolverme el miedo a perder la memoria.

Hace unos años, cuando me encontró la fotografía, los diarios que llevaba conmigo empezaron a llenarse de luces y sombras, lo que, si lo piensas bien, era algo irremediable para quien hace sus copias y convive con el espacio que ocupan físicamente... imagínate cien fotos en un disco duro, ¿algo apenas invisible no?, ahora imagina cien copias en papel... un tostón, vaya... pues para salvarlas y como un ejercicio de “edición”, empecé a pegarlas en mis diarios junto a las listas de cosas por hacer, las frases subrayadas de los libros que leía...

Ahora, pasado un buen puñado de años, mis diarios se han transformado y se han independizado de la narración estrictamente personal... hoy son mezcla de libros de artista o cuaderno de bocetos y son el reflejo más fiel de una disciplina íntima y diaria a la que me doblego y dedico con mayor imprecisión y toda la libertad de que dispongo.




- T-C: Te sientes cómodo con el formato libro, ¿qué te aporta frente a otros formatos?
- J.R: Supongo que no crecí con la idea de que una buena foto fuera suficiente. Si así fuera, no estaría tratando de comprenderlas, empeñando mi tiempo en crear un conjunto que sirva para transmitir las sensaciones que, al fin y al cabo, ya estaban ahí cuando se hicieron. Así imagino mis libros, más como contenedores de emoción que como cajones de instantes increíbles.

Un libro se compone gracias a una cierta pericia narrativa, un mensaje más o menos abierto y un montón de ingredientes secretos, que son los que hacen que ese libro sea depositado en la librería junto a otros o sea manoseado, viajado y subrayado. Es un asunto difícil, una pelea que merece la pena enfrentar y que te mantiene entrenado, vivo y con las ideas en marcha. No basta con tener buenas fotografías, como no basta con tener un buen single. Hay que vivirlo por entero: ensayar y ensayar, probar y descartar, conjugar y querer pegarse la gira. Por eso disfruto haciéndolos o pensándolos, porque hay muchísimo de tu esencia dentro de ellos, de tu comprensión del mundo.




- T-C: ¿Cada trabajo es una pieza única?
- J.R: Sí, claro que sí. Pero no es una bandera que ondear, es algo más sencillo: al trabajar con las herramientas de toda la vida, con lápices, papel y tornillos, cada cosa que fabricas es irremediablemente irrepetible.

Además, un creador trabaja siempre dentro de un sistema en movimiento, sujeto al caos y a las leyes del azar y de los fenómenos aleatorios, donde tan sólo existe la ciencia de la excepción y lo milagroso... por eso muchas veces me he preguntado si podría volver a hacer un diario o una caja de luz... y la verdad, casi ni recuerdo cómo lo hice o me sería técnicamente imposible conseguir ese barniz o saber el tiempo exacto de exposición o “dónde quedaba la arruga de aquella copia que llevaba en el bolsillo cuando fui de viaje a no recuerdo ni dónde...” y todo eso es, precisamente, lo mágico.





- T-C: Ahora estás con un nuevo proyecto: “El Granero”. Cuéntanos, ¿qué es?
- J.R: Empezaré por el principio: el proyecto nace a raíz de tres deseos, nada extraordinarios, pero necesarios para fortalecer el espíritu a estas alturas del camino creativo.

Lo primero, “El Granero” es mi nuevo hogar, una pequeña casa en un pequeñísimo pueblo de Zaragoza. Aquí concurren sosiego, calma y concentración. Lo segundo: también es mi taller, situado en la cámara del tejado, en un antiguo granero que mi chica y yo hemos estado “apañando” este verano con nuestras propias manos. Un espacio enorme, que ya precisaba con tanta obra por venir. Y lo tercero, “El Granero” sueña con ser también un espacio abierto, un lugar apartado y tranquilo donde inventar encuentros y talleres, donde conversar y buscarle a los adjetivos su verdad.

Este tercer deseo nace a su vez como continuación de ese viaje que fue toda la disparatada entrega de recompensas de la exposición “Entre fuga y regreso”... me sentía en deuda con muchas personas que me abrieron las puertas de sus casas y ofrecieron refugio, buenas dosis alimenticias y conversación. Así que aquí tendrán su casa también, bizcochos caseros y vino de la tierra, además de todos esos diarios, un laboratorio o una colección de lentos atardeceres.

Aunque aún no sé cómo funcionarán sus engranajes, “El Granero” desplegará sus velas dentro de un mes, y nos dedicaremos a organizar pequeños talleres y encuentros sencillos, que además de una parte creativa, contendrán ingredientes de efectos altamente saludables como caminar o escuchar el silencio.

La intención no es otra que trasmitir la idea de pausa, sin que eso signifique detenerse. O lo que es lo mismo: tratar de desconectar para escuchar lo que cada cuál desea crear y aprender a compartirlo.


No queremos terminar sin darle las gracias a Juanan por atendernos, ha sido un gustazo hablar con él, que nos cuente un poco más sobre su forma de entender la fotografía, el arte... y que nos cuente sobre su nuevo proyecto, que estamos convencidas de que va a ser todo un éxito, no creeis???

Aquí la web de Juanan, para que podáis seguir investigando.
Y para terminar. os dejamos el vídeo del último acto de "Entre Fuga y Regreso", una belleza. Aquí el enlace para que veáis más.


ENTRE FUGA Y REGRESO [ travelling ] Acto 4 from Juanan Requena on Vimeo.





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lunes, 27 de julio de 2015
Historias de la desmemoria, de Marcos Clavero

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Hoy queremos presentar a Marcos Clavero, un joven fotógrafo nacido en Zaragoza, pero que se trasladó a Barcelona, donde con 6-7 años se estrenó en la fotografía a hombros de su padre durante un concierto. "...y sigo con el vicio". Se ha formado en distintas disciplinas, pero siempre en el ámbito artístico, dibujo, pintura, fotografía, historia del arte, hasta poesía. Ha expuesto en distintas exposiciones colectivas y ferias, en Barcelona, Köln, Soria. Marcos Clavero ha sido seleccionado para el visionado de portfolio de PHE este año con el proyecto Historias de la desmemoria, del cual queremos hablar con él.

"Mis imágenes, con un orden exacto, buscan lo maravilloso de lo anormal, una sensación fuera del aparente desorden del mundo, para que escape de nuevo a lo conocido con una sutileza lenta y pausada en una reformulación de la imagen basada en -hacer real lo irreal-, en un binomio que empuja a replantearse la propia realidad, provocando un sobresalto desconcertante."
Marcos Clavero





- Tener-Cultura: ¿Porqué fotografía?
- Marcos Clavero: ¿Porqué fotografía? Muy sencillo, he tenido el contacto con ella desde pequeño, desde niño. Mi padre (gran aficionado a ella) me puso por vez primera una cámara en mis manos en un concierto, yo estaba subido a sus hombros tomando mis primeras imágenes. Será porque la fotografía tiene algo de pintura, de imagen, combinando una atracción de carácter futurista por las máquinas. La fotografía es un arte que remite de forma más directa que la pintura a la realidad lo que crea un desafío mayor para crear irrealidades.

- T-C: El proyecto que presentamos hoy es "Historias de la Desmemoria", háblanos del trabajo.
- M.C: Este proyecto es un viaje vital, una búsqueda opuesta a la de mi generación y una decena de generaciones anteriores, las cuales emigran a grandes urbes (nacionales o internacionales) en busca de oportunidades. Un proyecto que narra la despoblación de los entornos rurales y mi punto de partida es la provincia de Soria, una de las más afectadas. Decenas de pueblos enteros abandonados, una tierra que me vio crecer y que cae en el olvido, la tierra de Numancia, tierra donde habitaron poetas como Machado, Becquer y Gerardo Diego y que ahora lucha contra el tiempo y el polvo.




Este proyecto narra el abandono, no solo del espacio físico sino de una forma de vida que se integra con lo natural, que convive con ello sin una pretensión de dominio o de relegar lo natural a existir tan solo como un resquicio de vida, como lo es un parque en una ciudad. Mi rumbo, el retorno a lo rural para buscar un renacer en el origen con un objetivo: crear en espacios deshabitados, abandonados por el ser humano, lugares que antes tenían un sentido práctico y ahora, desposeídos de su función primigenia son solo belleza.

- T-C: En la mayoría de las fotografías del proyecto, a pesar de hablar de despoblación y abandono, introduces personajes, ¿porqué? ¿qué quieres transmitirnos con ello?
- M.C: En las imágenes suelen haber uno o dos personajes, una muestra de soledad ante ese proceso de abandono. Los personajes realizan una conexión entre lo pasado y lo presente, donde cada imagen tiene un sentido propio. Una búsqueda por la geografía más recóndita: imágenes pausadas, solitarias, cargadas de poesía, existenciales a veces y otras llenas de ingenio e incluso de sentido del humor.
Son antecedentes de vida, de progreso. Antes eran; ahora mediante este trabajo pretendo que no caigan en el olvido, que tal y como son muestren su belleza melancólica mientras la naturaleza o el polvo los entierra.

- T-C: Con este trabajo has participado este año en Descubrimientos PHE, ¿qué tal la experiencia?
- M.C: Realmente enriquecedora, porque no es solo un visionado de portfolio (el cual, como todos se te hace corto). Pude ir prácticamente a todos los seminarios, en especial los de M.V.Swanson: Brillante, cercana... Solo puedo decir que me despedí de ella con un abrazo. A varias de las innumerables exposiciones y las personas nuevas que conocí.

- T-C: Tienes una exposición itinerante de este proyecto a punto de comenzar. Cuéntanos, cuéntanos...
- M.C: Estoy preparando la exposición itinerante del proyecto Historias de la desmemoria, de momento cerrando fechas y lugares para 2016-2017 entre los cuales estoy trabajando para incluir Barcelona, Zaragoza, Soria, Madrid... Si queréis tener más información acerca de todo lo que iré haciendo y cerrando seguidme en facebook!

- T-C: Este año está siendo muy productivo, tienes varios trabajos nuevos que ya estás moviendo. ¿Qué temas interesan a Marcos Clavero?
- M.C: Pues sí, la verdad... Y solo estamos a mitad de año.
Desde temáticas con cargas poéticas, la poesía visual hasta temáticas que tienen como base la crítica o la denuncia social. Tengo interés por el desarrollo y el proceso creativo pero si el objeto resultante no atrae, no remueve; nos encontramos ante intelectualidad o belleza vacía de emoción.


- T-C: Háblanos de tus últimos trabajos, tienes varias series nuevas...
- M.C: Comentaré alguno de ellos:
-Globalización se centra en la relación entre las banderas (estados, países…) y el dinero (poder). Con unas imágenes teatralizadas al máximo para coordinar con el engaño creado en la sociedad. Pretende reflejar la relación de supeditación de los países frente al poder.
-Mar viento óxido es producto de la inspiración más pura que me produjo El Peine del Viento y el oleaje, similar a la inspiración poética y de ahí su forma de poema visual; está realizado en apenas 15 minutos, con teléfono móvil.
-Cierre la puerta por favor es un recorrido sombrío, una metáfora del aislamiento que se produce al emigrar. Un proyecto que trata la desconexión con el espacio, la desconexión con el lenguaje verbal y gestual.
 
Globalización, 2015

Cierre la puerta por favor 2015

Ensueños, 2014

 - T-C: Tus trabajos en su mayoría tienen formato expositivo. ¿Qué te aporta este formato de presentación? Siendo un artista que además escribe, ¿Tienes pensado adentrarte en el mundo del libro?
- M.C: Busco el formato expositivo porque quiero que la gente pueda verlo, que disfrute o que le joda, si no se comparte solo tiene sentido para mi.
Estoy adentrándome en la faceta de combinar la poesía con la fotografía pero tenía que reformular como se conectaban para que no estuviera una supeditado a otra; hay un proyecto de 2014 que recientemente ha adquirido un sentido mucho más amplio gracias a la poética: Ensueño; el cual también he razonado y aclarado la forma de hacer un libro coherente y adecuado, tengo que lanzarme con ello pero en tema foto libro si que soy virgen (jajaja).

- T-C: Adelántanos, ¿en qué estas trabajando ahora?
- M.C: Tengo varios proyectos en mente pero los que quiero empezar a realizar primero son conjuntamente con otros artistas y amigos, uno con Roberto Feijoo por su visión contrapuesta a la mía en fotografía sobre la naturaleza y la supeditación en la aparente civilización en la que vivimos y otro con Yendris Patterson el cual está más incipiente como para dar detalles pero él es tan multifacético que el proyecto no será solo fotográfico sino que tendrá instalación-escultura y puede que más.


Lo inefable, 2010-2015

Mar viento óxido, 2015

Tirados, 2015
Ha sido un placer Marcos! Nos parece muy interesante tu propuesta, estaremos pendientes para no perdernos nada.
A nuestros lectores... ¿qué te parece el trabajo de Marcos? Déjanos tus comentarios!
La web de Marcos Clavero.
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miércoles, 6 de mayo de 2015
Fotografía y psicología se entremezclan en el trabajo de Cristian Castellana

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Cristian Castellana nace en Barcelona en el 86. Estudió fotografía en Idep hasta 2011; ha sido asistente de Miquel Arnal, y colabora actualmente en PHEED.EU con Luca Pagliari. Hace unos años comenzó a estudiar psicología, y es algo que ha reflejado en su universo fotográfico. Le interesa trasladar el espectro de las emociones a la fotografía, y lo hace a través de una aproximación muy personal. Hoy queremos presentaros un trabajo en el que Cristian lleva años trabajando. "Anhedonia" + "Heminegligencia Visual" + "Nidoaka" se enmarcan dentro de las enfermedades y alteraciones del sistema nervioso central, nexo en común de estos tres episodios.

"Mi visión trata de trasladar el espectro de las emociones a la fotografía y que los espectadores comprendan y sientan esas emociones ante (al menos) una de las imágenes. Las emociones, sentimientos, sensaciones son como fragancias en el aire. Te trasladan a una situación, un momento de tu vida, quizás no fácilmente describible pero la atmósfera es presente. Es un escenario personal e intimo y a la vez universal."
Cristian Castellana





- Tener-Cultura: ¿Cómo empiezas en el mundo de la fotografía? ¿Qué es lo que te llena de este lenguaje?
- Cristian Castellana: Pues hace ya unos cuantos años que empezó fotografía. Todo empezó después de una larga temporada en la que había abandonado los estudios porque no me resultaban atractivos y no sabía qué hacer. Un día decidí que tenía que tomar control de mi vida y que debía completar mi educación, lo que no sabía era que quería estudiar, así que decidí redactar una lista de aquellas cosas que me interesaban, que me gustaría estudiar, y fui tachando las que menos despertaban mi interés. El resultado fue informática. Abrí mi ordenador y busqué en Google escuelas de fotografía. (jajaja) De este modo acabé estudiando fotografía. La fotografía permitió expresarme de un modo que antes no había logrado. Siempre me he considerado observador y guardo recuerdos de pequeños detalles de situaciones, paisajes, gentes… Imágenes muy nítidas en mi mente, regidas por un hilo conductor común. Es mi modo de “vaciar” mi mente de imágenes y poder catalogarlas, entenderlas, conectarlas a través del tiempo y entender mi persona y el mundo que me rodea.

- T-C: Háblanos de tu trabajo, hace referencia a enfermedades del sistema nervioso, ¿porqué?
- C.C: De adolescente pasé una etapa un tanto oscura. Me sentí fuera de lugar, desconexo del mundo exterior. Al iniciar los estudios de fotografía, en los encargos relacionados con la “Obra personal” o la fotografía de “autor” decidí que era un tema poco conocido, como si fuera un tabú de la sociedad, algo que se oculta o se trata de un modo poco real. Al investigar y documentarme sobre otros trabajos relacionados con la depresión y la psicología, observé que aquellas imágenes no se acercaban a la realidad que yo viví en su momento.

- T-C: ¿Qué es la anhedonia?
- C.C: La “anhedonia” es la incapacidad para experimentar placer, la pérdida de interés o satisfacción en caso todas las actividades. Se considera una falta de reactividad a los estímulos habitualmente placenteros. Constituye unos de los síntomas más claros de depresión, aunque puede estar presente en otros trastornos, como por ejemplo algunas demencias.






- T-C: ¿Y la heminegligencia visual?
- C.C: Mientras cursaba mis estudios de Psicología, en la asignatura de Psicología de la Atención, se mencionó un síntoma conocido como “Heminegligencia Visual” (HV). La HV se produce cuando el área de la atención del cerebro se ve alterada por un infarto cerebral, derrames o un ictus. Esta afectación hace que los pacientes omitan el lado derecho de su campo visual. En las pruebas diagnosticas, se les da una serie de motivos a dibujar (una margarita, una bicicleta, un cuadrado…). Cuando realizan esos dibujos, omiten la mitad derecha de todos los objetos. Se podría pensar que uno de sus ojos no es funcional o ha quedado dañado, pero ambos ojos funcionan a la perfección. Es el cerebro el que omite la información visual recibida.








- T-C: El último capítulo de este trabajo (3) es Nidoaka, ¿de qué nos hablas en él?
- C.C: Nidoaka es un término japonés para referirse a personas de edad avanzada que nos son capaces de valerse por sí mismos. Literalmente, “Nidoaka” significa “vuelto a nacer”. Actualmente Nidoaka se encuentra en estado de desarrollo y poco puedo aportar. Hay conceptos que nos cuesta trasladar a fotografías muchas veces, estos tres podrían ser un buen ejemplo de ello.
- T-C: ¿Cómo te planteas la realización de las fotografías?
- C.C: Anhedonia y HV fueron concebidos y realizados de modos muy distintos. Con Anhedonia han sido 5 años de desarrollo. Cada imagen es única. No existen ni pruebas ni revisiones.
Obviamente hay descartes. Antes de cada disparo hay meses de idear la imagen, madurar la idea de la fotografía y llegar al día de decidir salir a buscarla. El trabajo se compone de paisajes, bodegones, largas exposiciones, exposiciones múltiples, autorretratos, … Si la anhedonia afecta a múltiples aspectos de la persona, la serie también. “HV” nació de un modo muy diferente. Como ya he comentado anteriormente, mientras estudiaba sobre la psicología de la atención, uno de los artículos hacía referencia a la “HV” y al visualizar en mi mente esos objetos parcialmente omitidos, me parecieron sumamente bellos y delicados, y a su vez, entendía mejor la dificultad que supone vivir con esta enfermedad.










- T-C: Este es un proyecto en el que llevas unos años trabajando, ¿ha cambiado tu visión a lo largo del tiempo? ¿Cómo ha evolucionado el proyecto?
- C.C: El tiempo me ha permitido comprender la dimensión del trabajo; por qué lo inicié, como tenía que hacerse y qué relación guarda con otros trabajos. Durante estos años he buscado en mis recuerdos más profundos estas imágenes.

- T-C: La edición, ¿ha sido complicado seleccionar las fotografías? ¿Qué buscas con cada imagen particular?
- C.C: Con “Anhedonia” la edición fue mínima (corregir balances, exposiciones, niveles,…). De hecho las imágenes conservan el polvo o arañazos, “mordiscos” de la película… Una edición más “cuidada” habría quitado valor a la “apatía” de las imágenes. Uno de los puntos claves del trabajo era que el espectador no fuera un sujeto pasivo, sino que experimente esa pérdida del placer, que comulgue con una o alguna de las imágenes. “HV” por contra, consta de imágenes más delicadas. Se enfoca en un mundo onírico, frágil y extraordinario. 





- T-C: Aún estás trabajando en ese último capítulo, adelántanos algo... ¿Cómo ve Cristian Castellana el 'volver a nacer'?
- C.C: Por el momento el proyecto “Nidoaka” se encuentra en una fase de gestación. El concepto de “volver a nacer” varia según la persona, circunstancias y lugar, y por lugar me refiero al marco geográfico y cultural del sujeto. Personalmente el renacimiento viene dado por una necesidad de traer algo nuevo, aprender de lo pasado pero aplicar nuevas técnicas y adaptarse a la nuevas necesidades. Esto supone un reto, no es sencillo, ni gratuito y no hay garantías. Quizás “volver a nacer” no sea puramente una acción, sea una emoción en mayor medida
- T-C: ¿Qué salida proyectas para el conjunto? ¿Cuándo podremos verlo terminado?
- C.C: Si no se altera el calendario, a partir del segundo semestre del año pretendo tener terminado el conjunto. Únicamente puedo avanzar que tendrá un libro, pero el formato del mismo, lo reservo para el día de la presentación.












Ha sido un placer Cristian hablar sobre tu fotografía, estaremos pendientes del lanzamiento!
Si queréis saber como termina este proyecto, podéis seguir a Cristian por aquí!
¿Qué te parece el trabajo? Anímate y déjanos tu comentario!

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